Georges Seurat: Figur im Raum

Gerne empfehle ich Fotografen, ab und an ins Museum zu gehen oder sich eine (Kunst-) Ausstellung anzusehen. Heute war ich in der Seurat-Ausstellung in der Schirn in Frankfurt am Main, die leider nur noch bis 9. Mai zu sehen ist. Es ist eine kleine Ausstellung über einen spannenden Künstler, dessen Werk in nur einer Dekade entstand, denn er verstarb bereits im Altern von 31 Jahren.

Der französische Neoimpressionist Georges Seurat (1859–1891) gilt als Ikone der bildenden Kunst des 19. Jahrhunderts und als wichtigster Vertreter des von ihm entwickelten Pointillismus. Mit rund 60 Gemälden, Ölstudien und Zeichnungen aus öffentlichen und privaten Sammlungen aus u. a. London, Paris, Zürich, New York und San Francisco bietet die Ausstellung in der Schirn Kunsthalle einen repräsentativen Überblick und nimmt zugleich einen wichtigen Aspekt von Seurats OEuvre in den Blick: die Figur im Raum. Kein Bildthema vermag ähnlich viel über Seurats Kunst zu erzählen.

Gerade wer sich bisher nicht viel mit bildender Kunst befasst hat, findet mit Seurat einen wunderbar leichten Zugang. Es gibt so viele Elemente, die einen fotografischen Bezug haben und damit einen Anknüpfungspunkt bilden. Der Pointellismus an sich, das Nebeneinandersetzen der reinen Farben, die sich erst im Auge verbinden, das kennen wir Pixelschubser natürlich inzwischen bestens. Etwas Ähnliches gab es aber schon früher: Der erste Farbprozess mit Kartoffelstärke, das Autochrome-Verfahren der Brüder Lumière, wurde 1907 patentiert. Die Autochrome sehen in der Nahsicht ziemlich pointellistisch aus.  In der Tat schuf Seurat seine Arbeiten in der Pionierzeit der Fotografie und das fällt besonders an dem in Frankfurt präsentierten Hauptwerk „der Zirkus“ von 1890 auf. Es ist wie eine Momentaufnahme, oder besser: eine aus verschiedenen Momenten zusammengesetzte Darstellung einer Zirkusvorführung. Die Gestaltung des Vordergrundes, des Mittelteils und des Hintergrundes ist überaus modern und wirklich beeindruckend. Eine Figur ist im  Flug fixiert, und auch die Anschnitte wirken durchaus fotografisch. Und das Pferd! Man beachte die Beinstellung. Erst durch Eadweard Muybridge, der 1878 erstmals erfolgreich ein Pferd in Bewegung fotografierte, erkannte man, dass ein Pferd die Beine nicht zugleich nach vorne und hinten streckt (wie auf alten Gemälden zu sehen) und dabei in der Luft schwebt. Seurat’s Bild markiert genau diese Phase, in der sich die Realitätserkennis und ihre Darstellung durch das naturwissenschaftliche Interesse der Zeit und die Verbreitung des fotografischen Verfahrens grundlegend ändern.

Die geradezu mathematisch genauen und akribisch gepunkteten Gemälde sind sehr beeindruckend, aber die Zeichnungen sind wirklich umwerfend! Die meisten entstanden mit Kohle auf rauem Papier und sehr oft arbeitet er auch hier mit dem optischen Effekt, dass die Bilder aus der Nähe anders wirken als aus einiger Entfernung. Ganz konträr zum Leben in Paris und der Industrialisierung sucht Seurat seine Motive auf dem Land und sehr häufig sieht man die Figur von hinten. Das erinnert mich an Fotografen, die sich nicht trauen, Motive, vor allem fremde Menschen, direkt von vorne zu fotografieren, weil sie sich dadurch mit dem Motiv konfrontieren müssten. Dass sich Seurat mit den ländlichen Motiven an den klassischen malerischen Vorbildern abarbeitet, ist verständlich, dass auch heute unter Fotografierenden eine Vorliebe für ländliche, romantische Motive herrscht, eher weniger. Ein echter Knüller ist in dieser Beziehung ein Gemälde, das eine klassische Landschaft zeigt, in der man normalerweise vorne einen grasenden Ochsen erwarten würde. Stattdessen aber steckt dort ein Pfosten. Wenn das nicht modern ist!